Buchbesprechungen
und
Filmbesprechungen
Hier stehen nur die letzten Buch-Rezensionen.
Wer eine der früheren
Besprechungen haben möchte, kann mir eine E-mail schicken.
Ingo Schulze: 33_Augenblicke des Glücks
Julian Barnes: Der Zitronentisch
Dieter Kühn:
Geheimagent_Marlowe
Eric-Emmanuel Schmitt: Die Schule der
Egoisten
Asta Scheib : Frau
Prinz pfeift nicht mehr
Philip Roth: Der menschliche Makel
Arnaldur Indridason:
Kältezone
Gunnar Gunnarsson: Advent im Hochgebirge
Gabor Görgey: Sirene der Adria
Henning_Mankell:_Die_rote_Antilope
Ralf_Rothmann:
Milch_und_Kohle
Bericht aus der Terra incognita
(Ingo Schulze: 33 Augenblicke
des Glücks, Erzählungen, Süddeutsche Zeitung Bibliothek,
München 2008, gebunden
252 Seiten, € 5,90)
(Monika Maron: Ach Glück,
Roman, S. Fischer Verlag, Frankfurt am Main 2007, gebunden 218 Seiten)
Was das ist, das Glück,
darüber klärt das Buch nicht auf. Nur dass man es im Umgang
mit einem Haustier,
das sich völlig kritiklos für einen begeistert, erleben kann.
Daneben
suggeriert es, dass dagegen unter
Menschen eine immer wieder überraschende Verrücktheit
nötig ist, es zu
erlangen. Und macht das auch glaubhaft
mit der Langeweile, die dieser Roman bietet. Auf Seite 50 heißt
es: Was war
denn schon passiert? Seine Frau war verreist; das hob die Welt nicht
aus den
Angeln.
Das kann der Rezensent nur
unterstreichen. Womit auch schon beinahe der gesamte Inhalt des Buches
wiedergegeben ist. Denn den kann man als sehr sublime Darstellung der
Geworfenheit des Menschen bejubeln, aber auch als schrecklich öde
beklagen. Monika
Maron reiht sich damit ein in die viel zu große Gruppe deutscher
Autoren, die
nichts erleben, deshalb nichts zu sagen haben, das aber gut zu
formulieren
wissen. Gerade ein paar Brotkrümel von der Tischdecke fegen,
natürlich mit der
Hand. Das ist so ein Ereignis, das erzählt wird, um den Leser aus
dem Sessel zu
heben. Für den deutschen Buchmarkt genügt das ja auch, weil
es von einer
DDR-Autorin ist. Wie alle, die nichts zu beschreiben haben, beschreibt
sie natürlich
Schreibende. Die Hauptperson Johanna schreibt Biographien, was sie aber
schon
leid ist, ihr Mann Achim schreibt Literaturwissenschaftliches, was ihr
wegen
seiner ewigen geistigen Abwesenheit auf den Geist geht.
Immerhin wird das Buch schon
bald nach der ersten Hälfte interessant. Denn auf einmal geht es
um die Frage,
wie Frau und Mann miteinander können. Ein paar Rückgriffe auf
alte Urteile und
Vorurteile, aber dann folgt doch nichts Aufschlussreiches. Der Roman
wird statt
dessen zu einer durchgängigen Bestätigung für Leute, die
sich permanent selbst
darüber befragen, ob sie im Moment heiter sind oder depressiv,
verlegen oder
verwirrt, sehnsüchtig oder frustriert. Bei vielen Leserinnen mag
das gut
ankommen, weil es sie seufzen lässt: Ja, genau so dreckig geht es
mir auch. Ein
Fall von zweifelhafter Identifizierungsliteratur. Denn bei der
Lektüre geht es
immer wieder um dieselben Empfindungen. Und es geht immer wieder um die
Feststellung: Angefangen hat alles mit dem Hund. – Da fragt man sich:
Na, und?
Anlass genug, sich der
Schreibweise der Autorin zuzuwenden. Dass für sie Gehen und Laufen
dasselbe
ist, muss als verzeihlich hingenommen werden, weil berlinerisch. Schon
peinlicher, dass die Autorin das gleiche und dasselbe nicht
unterscheiden kann
– das Lektorat ebenfalls nicht. Ansonsten bietet das Buch ein
makelloses
Deutsch, ohne unnötige Anglizismen, allerdings auch fast ohne
Sahnetupfer. Als
auffallend und gewöhnungsbedürftig empfindet der Rezensent
ein Stilmittel, das
die Sprache wohl eleganter machen soll, nämlich das Fortlassen der
zweiten
Vergangenheit mit ihren harten Wörtern hatte und war. Hier werden
Handlungen,
die zu verschiedenen Zeiten stattgefunden haben, sogar innerhalb eines
Absatzes
einfach so zusammengeschmolzen, dass sie in einem endlos plaudernden
Präteritum
über alle Vergangenheiten hinwegplätschern.
Deutschland in feinstem Deutsch
(Jenny Erpenbeck:
Heimsuchung, Roman, Eichborn-Verlag, Frankfurt/Main 2008, gebunden 192
Seiten,
€ 17,95)
Es gibt Belletristik, die für
Kritiker geschrieben wird, und solche, die für Leser bestimmt ist.
Autoren, die
sich, wenn sie ein Buch zu schreiben beginnen, eindeutig für die
eine oder die
andere Zielgruppe entschieden haben, können große Erfolge
verbuchen. Wer bei
seinem Schreiben beiden Gruppen etwas bietet, hat jedoch kaum Erfolg,
selbst
wenn er die bessere Literatur liefert. Die goldenen Zeiten Carl
Zuckmayers sind
vorbei. Das moderne Marketing schätzt kein verständnisvolles
Blinzeln mehr.
Jenny Erpenbeck, die Autorin
aus Ostberlin, hat sich entschieden: Sie schreibt für die Kritik,
wenn sie auf
eine höchst feinfühlige Weise ihre Kindheit in dem Reethaus
am Scharmützelsee
beschreibt, sehr intim, aber so, dass sie sich völlig
zurücknimmt. Nur
konsequent, dass Heimsuchung ein Roman ohne Spannungsbogen ist, auch
ohne eine
Heldin oder einen Helden. Die Personen, oft ohne Namen, tauchen auf und
tauchen
ab, sind nur noch verwehte Spuren auf einem Schauplatz, der zum
eigentlichen Protagonisten
wird. Das Haus am See, die Immobilie als das nicht nur räumlich
sondern auch
zeitlich Beständige, so sehr es sich im Laufe der Jahrzehnte
verändert. Und der
Gärtner, dem immer mal wieder ein Scharnier-Kapitelchen gewidmet
wird, ist
weniger ein Individuum als vielmehr ein Typ und als solcher beinahe nur
ein
Accessoire des Gartens, in dem er die immer gleichen Handgriffe zu
machen hat,
für welche der wechselnden Herrschaften auch immer.
Das ist wirklich kunstvoll
gemacht. Da kann man sich für die unaufdringliche Sprachartistik
der Autorin
begeistern, für die poetisch verkürzte Geschichtsdarstellung
oder
Situationsschilderung, kann davon schwärmen, wie sie mit ihren
Satzkonstruktionen über das Gewohnte und Genormte hinausfliegt.
Wie sie, was
einmal bei Joyce als der Bewusstseinsstrom sensationell war, jetzt zu
schlicht dahinfließenden
Aussagesätzen werden lässt. Wie sie das Stilmittel der
Wiederholung von
Formulierungen einsetzt, die völlig unterschiedliche Situationen
illustrieren,
holzschnittartig, so dass es einem ein homerisches Lächeln des
stillen Einverständnisses
abringt.
Zunächst diese Kühle der
geophysikalischen Einordnung des Schauplatzes, sie erinnert an den
ebenso
distanzierten Auftakt von Robert Musils „Mann ohne Eigenschaften“, dann
die
kindliche Unbekümmertheit. Aber daneben gibt es auch Szenen, die
einen Anne
Franks Isoliertheit nacherleben lassen, und andere, die einen mit
Rilkes
Cornett verbrüdern. Erschütternd, wie das Denken eines alten
Menschen sich zu
wenigen unzusammenhängenden Formulierungen aus dem
Erinnerungsfundus zurückzieht
- beinahe ein innerer Schrumpfkopf. Und zuletzt dann noch das
juristische
Vokabular, das aus Akten tropft und so was wie ein Nonsens-Gedicht
gebiert. Das
ist die Hohe Schule der Schreibkunst.
Das Buch stellt eine deutsche
Geschichtsstunde dar, die jedem zu empfehlen ist, der noch einmal
unsere
jüngste Vergangenheit erleben will, vorgeführt am Werden und
Vergehen eines
Wohnhauses. Eigentlich nichts Besonderes, und doch ein ganz
ungewöhnlicher Genuss,
weil in unseren Zeiten des Englisch-Kollers dargeboten in feinstem
Deutsch.
(Philippe Besson: Nachsaison,
Roman, dtv premium, München 2007, 157 Seiten, 12.- €, 21.10 sFr,
Titel der
Originalausgabe: L’arrière-saison, aus dem Französischen
von Caroline Vollmann)
Dass Romane nach Filmen
geschrieben werden, dieser reziproke Kreationsprozess ist einem bereits
geläufig.
Aber dass ein Bild nicht bloß als Bildgedicht interpretiert,
sondern sogar romanisiert
wird statt dass ein Roman bebildert wird, das ist noch etwas
Ungewöhnliches.
Edward Hoppers (1882-1967) wohl berühmtestes Gemälde mit dem
Namen „Nighthawks“,
was soviel wie „Nachtschwärmer“ bedeutet, hat als Poster tagelang
in der
Wohnung des französischen Schriftstellers Philippe Besson gehangen
und ihn zu
dieser Geschichte inspiriert, so teilt der Deutsche Taschenbuch-Verlag
mit. Dabei
hat Besson sich allerdings einige Freiheiten erlaubt.
Das Bild zeigt drei Männer
und eine Frau in einer recht kahlen und viel zu leeren Bar. Einer der
Männer
ist der Barkeeper, also der Neutrale, der quasi zur Einrichtung
gehört, ein zweiter
Mann sitzt neben der Frau an der Theke, der dritte den beiden
gegenüber. Damit
fordert das Bild die Phantasie heraus, sich eine typische Ménage
a trois
vorzustellen. Die schildert der Autor tatsächlich, aber mit
verändertem
Personal. Denn der andere Mann mit einer Beziehung zu der Frau tritt
nicht auf,
er bleibt hinter einem kurzen Telefonanruf verborgen. Dafür wird
der Mann, der
im Vordergrund mit dem Rücken zum Betrachter an der Theke sitzt,
von Besson
ignoriert. Für ihn hat er keine Verwendung. Was ja durchaus zur
Wirtshausatmosphäre passt. Zwar lässt der Autor einmal
für einen kurzen
Aufenthalt einen alten und meist betrunkenen Fischer auftreten, der
nach der
Ausfahrt einen Absacker braucht, doch das kann nach der Beschreibung
nicht der
Mann im Anzug und mit Hut im Vordergrund sein.
Die zwei gescheiterten
Beziehungen, die in gedanklichen Rückgriffen vorgeführt
werden, sind nicht
ungewöhnlich. Deshalb ist über das Was der Schilderung nichts
zu sagen,
allenfalls über das Wie. Zunächst einmal ist festzustellen:
Zu der Stimmung,
die das Hopper-Bild vermittelt, passt die Stille und Bedrücktheit,
die der
Autor schildert. Dazu passt auch, dass so gut wie nichts geschieht in
diesem
Roman, auch von den Figuren kaum einmal etwas gesagt wird. Man ist
versucht,
von einem Gegenentwurf zum Noveau roman zu sprechen, weil es keine
Beschreibung
von Gegenständen mehr gibt, nur noch die Beschreibung von
Zuständen. Ein Buch
voll von Unausgesprochenem, der sogenannten Mentalreservation, wie die
Juristen
das nennen. Der Autor war ursprünglich Jurist. Ihre, seine, dessen
und des
anderen Gedanken und Gefühle, Absatz für Absatz so nonchalant
gegeneinander
gesetzt, als wollte der Autor die albernen Verbote des
Perspektivwechsels, mit
denen man in Creative-Writing-Schulen die Leser vor Irritationen
bewahren will,
ad absurdum führen. Als wollte der Autor seinen Lesern gerade
damit das
Vergnügen bereiten, sich einmal total überlegen fühlen
zu können. Das ist die
Feier des allwissenden Autors, der seine Leserschaft ebenso allwissend
macht. Und
natürlich hat das seinen Reiz.
Der Autor protokolliert in
diesem Buch permanent die Gedanken und Gefühle seiner Figuren,
statt sie in
Handlungen und in Worten deutlich werden zu lassen. Das wirkt
zunächst plump,
ist gelegentlich auch überflüssig, weil man schon verstanden
hat, doch dann erkennt
man: Das hat Methode – und es passt ja auch zu dem Status des
Betrachters, den
man gegenüber dem Hopper-Gemälde hat.
Im übrigen könnte man dieses
ewige Psychologisieren bei einem Autor, der aus der Psychobranche
kommt, als
Geprägtheit oder Berufskrankheit verstehen und kommentarlos
hinnehmen. Aber bei
einem Juristen wirkt dieses Sich-Austoben auf berufsfremdem Terrain
recht
fragwürdig. Muss man sich doch eingestehen: Der psychologisierende
Roman wurde
schon von Dostojewskij zur Meisterschaft entwickelt, hier wird er auf
die
Spitze getrieben. Will der Autor damit Dostojewskij übertrumpfen?
Oder will er
nur der Tatsache Rechnung tragen, dass heute die Frauen die Leserschaft
stellen? Wie auch immer, dieser kleine Roman kann durch seine
kompromisslose
Konzentration auf das Innenleben seiner Figuren fesseln, wenn er auch
den
Eindruck aufkommen lässt, dass der psychologisierende Roman damit
den Zenit
überschritten hat und dabei ist, sich aus der Literatur zu
verabschieden.
(Walter
Laufenberg in:
www.netzine.de)
Empfehlenswert sogar als
Schulbuch
(Frederik Berger:
Canossa,
Roman, Aufbau Taschenbuch-Verlag, Berlin 2006, 616 Seiten, 9.95 €,
ISBN-10:
3-7466-2221-2)
Es geht um das fränkische
Adelsgeschlecht der Salier, das im 10. – 12. Jahrhundert die deutschen
Könige
stellte und wie damals üblich, heimatlos von Pfalz zu Pfalz und
von
Kriegsschauplatz zu Kriegsschauplatz zog, dabei seinen Mittelpunkt
jedoch in
Speyer sah. Der von ihnen erbaute Speyerer Dom, das größte
romanische Bauwerk
Deutschlands, wurde zu ihrer Grablege. Die Statuen der salischen
deutschen Könige
und Kaiser stehen im Park hinter dem Dom, für die Besucher der
Stadt, die vom
Rhein oder vom Hauptparkplatz kommen, nicht zu übersehen. Der
Volksmund hat
sich darauf seinen eigenen Reim gemacht: „Gäbe es in Speyer nicht
die toten
Kaiser und Könige, gäbe es in Speyer überhaupt kein
Leben.“ Rheinischer Humor
relativiert auf liebenswerte Weise den Nachruhm, für den die
Großen gelebt und
finassiert und gelitten haben.
Zur Handlung des Romans: Der
spätere König und Kaiser Heinrich IV. wächst zusammen
mit seiner vier Jahre
älteren Cousine Mathilde von Tutzien-Canossa auf. Es ist der
ungestüme Wille
von Mathildes Mutter Beatrix, dass die beiden ein Paar werden. Eine
Wahrsagerin
bestärkt sie in dieser Hoffnung. Doch hat Heinrichs Vater,
König Heinrich III.,
seinen Sohn aus machtpolitischen Erwägungen bereits mit einem
anderen Mädchen,
nämlich Bertha, verlobt. Als der Vater viel zu früh stirbt,
kommt der Junge
unter die strenge Fuchtel des Erzbischofs von Köln. Doch das
Prinzip: Aus den
Augen, aus dem Sinn, es funktioniert in diesem Fall nicht. Der junge
König
Heinrich IV. bleibt innerlich zeitlebens an Mathilde gebunden, die
jedoch nie
seine Frau wird. Denn als er in Rom auf die Scheidung von seiner Frau
Bertha
drängt, kommt es zum offenen Bruch mit der Kurie. Der starrsinnige
Papst Gregor
VII. will das Königtum nicht stärken sondern schwächen.
Dabei geht es um den
sogenannten Investiturstreit und die Zwei-Schwerter-Theorie, also das
Recht zur
Einsetzung der Bischöfe und Äbte, das die beiden Machthaber
Papst und König
sich gegenseitig streitig machen.
Der Roman schildert die
Kindheit und Jugend des späteren Königs Heinrich IV. und
kommt zu seinem
Höhepunkt bei dem Aufeinandertreffen der beiden Kontrahenten vor
der Burg
Canossa, wo der Papst der Gast der heimlichen Geliebten des
Königs, Mathilde,
ist. Der Papst hat den König aus der Kirche ausgestoßen und
gebannt. Für einen
Herrscher damals eine verzweifelte Situation. Doch an drei eisigen
Wintertagen des
Jahres 1077 zeigt der junge König mit dem berühmt gewordenen
Gang nach Canossa,
dass er der Überlegene ist. Das wird bei Frederik Berger zu einem
Leseerlebnis
der besonderen Art.
Der Autor hat die erforderlichen
allgemein schildernden Passagen als Notizen eines Mönchs und
ständigen
Begleiters sowie Beichtvaters der Königin eingefügt. Er
schildert immer wieder
aus den lange Zeit geheim gehaltenen Annalen des Lampert von Hersfeld.
So kann
sich der Autor zurücknehmen. Zudem eine geschickte Art der
Vertiefung des
Romans und ein reizvoller Kontrast zu den liebevoll ausgemalten Szenen
und
manchmal recht deftigen, dabei aber nie pornographischen Dialogen. Die
Aussprache zwischen Mathilde und ihrer Mutter Beatrix am Ende des
zweiten Teils
beispielsweise ersetzt in ihrer ungeschminkten und dennoch kultivierten
Offenheit
ganze Reihen sogenannter Frauenliteratur. Deutlich wird dort und auch
sonst
immer wieder die Kongruenz von dynastischer Spekulation und
simplem
Züchterkalkül. Es geht stets nur um die Aufzucht des
richtigen Nachwuchses, und
es geht um das Abhängig- und Dankbarmachen nach allen Seiten hin.
Damit lässt
der Roman die Ähnlichkeit der mittelalterlichen Politik mit der
vielbewunderten
Äquilibristik eines Fürsten Bismarck deutlich werden.
Sogar die Schilderung von
Wetterverhältnissen, die man in anderen Romanen gern
überliest, kann bei
Frederik Berger mehr sein als ein Zwischenschnitt, also bloß der
Übergang zu
einer anderen Szene oder die geschickte Verzögerung des
Handlungsablaufs. Dafür
ein Beispiel aus den Annalen des Mönchs Lampert von Hersfeld:
„Frierend standen
wir an den Zinnen, und der Morgen erwachte mit glasiger
Dämmerblässe im fernen
Osten. Der Mond hatte sich bereits verabschiedet, ein letzter, zart
flickernder
Stern schwamm im vergehenden Dunkel. Schon hörten wir die Rosse
des Sonnengotts
ungeduldig stampfen und wiehern. Sie stürmten los und ließen
den Widerschein
ihrer weißen Mähnen fliegen. Die Scheibe des Lichts schob
sich über die
schneebedeckten Hügel. Der König warf die Arme siegreich
empor und begrüßte die
Botin des gnädigen Herrschers mit einem Jubelschrei …“ Das ist
Lyrik, in alte
Sprache gebracht und in das Bewusstsein einer Zeit, als man
Christliches und
Heidnisches auf unschuldige Weise noch miteinander vermengt in sich
trug.
Fazit: Dieses in seinen
Hauptpersonen und historischen Fakten authentische Werk, in der
zupackenden Art
des Mittelalters geschildert und dabei mit reicher theologischer
Kenntnis
gespickt, fast möchte ich sagen: Es sollte als Schulbuch für
den
Geschichtsunterricht der Sekundarstufe 2 eingeführt werden.
(Walter
Laufenberg in: www.netzine.de)
(John von
Düffel: Hotel
Angst, Erzählung, dtv München, Juni 2007, 110 Seiten, € 7.50)
Der eine literarische Trick
fällt sofort auf: Bei der zwangsläufig allem kreativen
Schreiben vorausgehenden
Entscheidung zwischen dem Erzählen in der ersten oder der dritten
Person
Einzahl wählt der Autor die ungewöhnliche Variante, dass er
sich selbst
anspricht, mit einem kleingeschriebenen Du.
Der andere literarische Trick
ist weniger originell: Wie bei vielen modernen Erzählern
üblich, ist der Anfang
des Buches sehr gut (beispielsweise „Der Butt“ von Günter Grass),
alles andere aber
nur noch akzeptabel. Düffels schmales Buch beginnt mit der
Schilderung einer
gemeinsamen Autofahrt der Familie Mitte der siebziger Jahre nach
Bordighera an
der italienischen Riviera, und das in so konzisen und doch
einfallsreichen
Formulierungen - das erinnert an André Heller -, dass man sich
als Leser auf mancher
Seite veranlaßt sieht, Unterstreichungen zu machen. Das derart
Hervorgehobene
hört sich dann so an: „In Karawanen von Wohnwagen und Bussen
Schlangenlinien
abwärts, Felsklüfte im Seitenfenster, spärliche
Leitplanken zwischen dem Abgrund
und dir, ansonsten nur Berg und daneben das Nichts.“ Oder: „Der Po ein
Rinnsal unter
der Sonne, mehr Flußbett als Fluß.“ Oder: “Am
Straßenrand Tramper von der
traurigen Gestalt.“ Oder. „Oleander auf dem Mittelstreifen,
blühende Büsche,
die hängenden Gärten der Küstenautobahn.“ Oder: „Alles
klingt dumpf, gedämpft,
wie eingeschneit unter der lautlos herabrieselnden Dämmerung.“
Oder wo er
seinen Vater, der fährt, und die daneben sitzende Mutter
beschreibt: „Er ist
auf einen einzigen Punkt konzentriert, ein Mönch im
fortgeschrittenen Stadium
der Meditation, einsgeworden mit dem Motor, der Bewegung. Er hat seine
sterbliche Hülle hinter sich gelassen. Mit einer sanften
Berührung, mit auf der
Rückbank kaum hörbaren Einflüsterungen bringt deine
Mutter ihn dazu, die
nächste Ausfahrt zu nehmen. Die Landschaft verlangsamt, die Stille
legt einen
anderen Gang ein.“ Oder wenn von den Prominenten auf alten Fotografien
die Rede
ist: „Menschen, deren historische Bedeutung du nicht kanntest, die es
aber im
Stillhalten zu äußerster Meisterschaft gebracht haben
mussten, denn nie war
einer von ihnen verwischt oder verwackelt.“ Ein paar der
„Höhepunkte“ dieses
Textes. Was dem Autor aber offensichtlich noch nicht kunstvoll genug
war,
weshalb er sich in den nächsten Sätzen fast eine ganze Seite
lang in eine
Emphase hineinsteigert, die man schon als kitschig bezeichnen
könnte – und die
deshalb hier nicht zitiert wird.
Immerhin, meist zur einen,
aber auch einmal zur anderen Seite hin seine Erzählung
ungewöhnlich bemüht
ausbauend, so serviert John von Düffel einen durchaus
ansprechenden
literarischen Text. Von Seite 5 bis auf Seite 20. Danach bringt er
leider nichts
Besonderes mehr. Es kommt nur noch nüchterner Bericht, kommt
Reflexion, kommt
so was wie der Kommentar eines Auslandskorrespondenten, kommen
Erläuterungen,
die aus einem Reiseführer stammen könnten, kommen
schließlich Familieninterna,
kommt Penetranz. Bis zum Ende des Buches nur noch abgegriffene
Zeitungssprache
mit den geläufigen Sprachklischees.
Da fragt man sich: Hat der
Autor vielleicht für den Anfang dieser Erzählung einen
Ghostwriter bezahlt? Und
man fragt sich auch: Lesen die Lektoren des Deutschen
Taschenbuch-Verlags und
des DuMont Literatur und Kunst Verlags, wo diese Erzählung im
Vorjahr
erschienen war, bloß die Manuskriptanfänge?
Auf Seite 82, also gegen Ende
des Buches, wird das große Projekt genannt, mit dem der Vater des
Autors in
seinen geheimen Arbeiten beschäftigt war. Er wollte einen Roman
über das
ehemals renommierte und nun verfallende Nobelhotel mit dem kuriosen
Namen Angst
schreiben. Doch blieb dieser Roman ungeschrieben. Zum Glück hat
auch John von
Düffel es damit gut sein lassen, nur die Möglichkeit zu
erwähnen, selbst einen
solchen Roman zu schreiben. Und er hat diese kleine Erzählung
nicht als Roman
bezeichnet. Sie ist nur ein ungewöhnliches Porträt des Vaters
eines heutigen
Autors geworden, liegt insofern im literarischen Mainstream. Dass
dieser Vater
ein genialer Connaisseur des Möglichen war, das er dem Wirklichen
stets
vorgezogen hatte, macht ihn sympathisch. Wenn das auch nichts Neues
ist, erinnert
es doch an den „Mann ohne Eigenschaften“ des Robert Musil, dessen
Langatmigkeit
hier gottlob vermieden wird.
(Julian Barnes: Der
Zitronentisch, Erzählungen, aus dem Englischen von Gertraude
Krueger,
btb-Verlag, München 2007, Taschenbuch 255 Seiten, € 8.-)
Mal geht es um die Angst vor
dem Friseur, mal um die Liebe eines Holzhändlers, mal ist ein
ehemaliger Soldat
auf Abwegen, mal kämpfen mißgünstige Frauen
miteinander. So geht das in immer
neuen Überraschungen weiter bis zum
Ausbruch eines 81-Jährigen aus der Ehehölle und der Liebe
eines Komponisten zur
Stille. Eine bunte Mischung.
Eine derartige Sammlung von
Erzählungen verlangt nach einem Titel, der als Rahmen dienen kann.
Das ist
immer eine Verlegenheitslösung, falls nicht einfach der Titel
einer der
Geschichten genommen wird. Hier ist das Rahmenerfordernis deutlich als
simpel
abgetan: Der Zitronentisch als Titel, und das letzte Wort des Buches
heißt
Zitrone. Das klingt wie ein: Ätsch! Und es paßt zu dem
lapidar ironischen Stil
des Londoner Autors, der es geschafft hat, mit seinen Büchern
britischen Humor
in literarischer Form auf dem deutschen Markt durchzusetzen. Er
hätte für diese
elf Kurzgeschichten auch den umfassenden Begriff Altwerden verwenden
können. Exakt
darum geht es elfmal. Aber das ist ein negativ besetzter Begriff, den
man zu vermeiden
sucht. Also lieber von Zitronen sprechen. Und doch bleibt: Das Thema
selbst ist
negativ. Daran führt nichts vorbei. Denn was bietet uns der Autor?
Die
Tristesse des Altwerdens, des unvermeidlichen Verblühens und
Verblödens. Trotzdem
ist dieses Buch ein einziger Lesegenuß. Da fragt man sich: Wieso?
Julian Barnes tritt mit einem
immer wieder anderen Ich auf, das so intensiv geschildert wird, dass
der Leser
nicht nur ergriffen wird. Er macht überm Lesen beim Sprung von
einer Erzählung
zur nächsten eine Metamorphose durch, eine immer neue. Da zeigt
sich die
Geschichtensammlung dem Roman überlegen, weil sie freier ist im
Perspektivwechsel. Keinerlei Hemmungen, gegen gängige
Schreibkodizes zu
verstoßen, im Gegenteil. Hier hat der Wechsel von einer
Identität zur nächsten
den Reiz, wie wir ihn gern im Theaterspiel und bei jeder anderen Art
von
Mummenschanz ausleben. Das läßt einen sofort zur
nächsten Erzählung übergehen.
Dabei kann der Autor es sich
sogar leisten, auf die immer gleiche Albernheit des Spannungsbogens zu
verzichten, der den Leser von der ersten Seite des Buches bis zur
letzten Seite
schleppen muß. Die elf Erzählungen sind voneinander
unabhängig, sind auch nicht
künstlich auf einen alles überdeckenden Gesichtspunkt hin
getrimmt, der uns zum
Finale hin gieren läßt. Nicht einmal die einzelne Geschichte
hat es nötig, mit
diesem Allerweltstrick zu fesseln. Wenn das nicht schon eine Aussage
ist: Unser
Ende ist kein Clou, kein Schlußeffekt, kein großes Finale,
keine Apotheose.
Und trotzdem liest man weiter
in diesem Buch, bohrt sich hinein in eine Geschichte nach der anderen.
Weil man
mitkriegen will, wie andere Menschen die Schlußrunde schaffen,
und weil man
darauf vertraut, dass der Autor einem etwas zu sagen hat, das über
die reine
Handlung hinausgeht. Die einzelne Erzählung selbst wird unwichtig.
So wird
einem diese Erzählungssammlung zu einem alternativen
Erzählwerk. Und am Schluß
stellt man fest, dass man sich mit dieser Lektüre keine Zitronen
eingehandelt
hat, sondern antizipierte Altersweisheit. Julian Barnes sei Dank!
(Dieter Kühn: Geheimagent
Marlowe – Roman eines Mordes, Verlag S. Fischer, Frankfurt am Main
2007,
gebunden 263 Seiten, 18.90 €)
Ein Buch für Liebhaber des nervenstrapazierenden
Agentenmilieus, gleichzeitig aber ein Stück Literatur. Wenn ein
Autor wie
Dieter Kühn, wohlbekannt von seinen großen Biographien „Ich,
Wolkenstein“ und
„Frau Merian“ und zahlreichen weiteren eigenartig kunstvoll
erzählenden Werken,
also ein Schriftsteller, der nicht das gängige Lesefutter
produziert, sich gedrängt
fühlt, dem banalen Krimigelüst des Publikums und der Verlage
entgegenzukommen,
dann darf man erwarten, dass mehr dabei herauskommt als der 1001. Krimi
des
Jahres.
Soweit die
Agentenroman-Normalität. Doch gelingt es Dieter Kühn, seiner
Hauptfigur ein
literarisches Denkmal zu setzen. Schon dadurch, dass er ihm den
Decknamen
Leander gibt und damit auf das von Marlowe verfaßte amüsante
kleine Epos „Hero
und Leander“ anspielt. Und aus Jeremy, dem witzigen Geheimdienstler,
der darauf
spezialisiert ist, für jeden Agenten eine glaubhafte Legende zu
erfinden, macht
er einen Beinahe-Literaten. Dieser Legendenverfasser ist dann auch der
einzige,
der am Ende zu bedenken gibt, man werde mit der geplanten Liquidierung
Marlowes
die britische Literatur schädigen. Wie Marlowe dann in einer
großen
Schlußapotheose mit einem faszinierend wortreich
präsentierten Dramen-Exposé seinen
Kopf aus der Schlinge zieht, das beweist die Überlegenheit der
Literatur übers
Leben. Wenn da nicht ein Fiesling die Entscheidung der Chefetage
eigenmächtig
unterlaufen würde.
(Eric-Emmanuel Schmitt: Die
Schule der Egoisten, Roman, aus dem Französischen von Inés
Koebel, Fischer
Taschenbuch-Verlag, Frankfurt am Main, Juli 2006, 170 Seiten, € 8,95)
Ein guter Titel, garantiert
Aufmerksamkeit
erregend und dabei jeden persönlich ansprechend, - nur leider
falsch. Denn der
Egoismus ist nicht das Thema dieses kleinen Romans. Statt dessen geht
es um
eine Einstellung, die Diderot und der Autor Schmitt so zitieren: „Wir
mögen
uns, um metaphorisch von der Sache zu reden, zum Himmel emporschwingen;
oder
wir mögen in die allerunterirdischen Gegenden hinabsteigen: so
gehen wir doch
nie aus uns selbst heraus, und nie nehmen wir etwas anderes wahr als
unsern
eigenen Gedanken.“
Dieser Satz beschreibt ein
Phänomen, das wir seit seiner Entdeckung in England (egotism)
Anfang des 18.
Jahrhunderts als Egotismus bezeichnen und das ursprünglich
ebenfalls im
Französischen égotisme genannt, später jedoch auch mit
dem Wort Egoismus umschrieben
wurde. Im Deutschen hat sich dafür der Begriff Autismus
eingebürgert. Grob
definiert meint der Egoismus das Alles-Für-Sich-Haben-Wollen,
während der
Egotismus oder Autismus als Krankheitsform genau wie der Solipsismus
als
philosophische Haltung das Nur-Sich-Selbst-Sehen meint. Also geht es um
den
Unterschied von Wollen und Sehen. Ein gewaltiger Unterschied, denn das
eine ist
dynamisch, das andere statisch.
Die in Frankreich
weggefallene klare Trennung der Begriffe hat es möglich gemacht,
dieses
Büchlein „Die Schule der Egoisten“ zu nennen. „Die Schule der
Solipsisten“ wäre
so richtig gewesen wie „Die Schule der Autisten“. Beides aber wäre
nicht so
attraktiv, weil der eine Begriff zu kompliziert und unbekannt ist, der
andere
aber als eine Krankheit zu unangenehm klingt. Und es geht in diesem
Buch nicht
um Krankheit, wenn auch die Umgebung des Mannes, dessen Suche nach der
Wahrheit
geschildert wird, ihn für krank hält, für geisteskrank.
Die Verwechslungsgefahr
ist halt immer sehr groß. Dennoch geht es hier nicht um
Krankheit, sondern um
Philosophie und um Religion.
Diese Vorbemerkung zur
Begriffsverwirrung ist notwendig, weil der Verlag explizit darauf
hinweist,
dass der Autor Schmitt in Paris Philosophie studiert hat. Ja, aber eben
in
Frankreich.
Der Ich-Erzähler sucht nach
dem niederländischen Autor Gaspard Languenhaert, weil ein Hinweis
in einem
alten Buch ihn glauben macht, dass da einer den Stein der Weisen
gefunden hat.
Er wird über der abenteuerlichen Suche in Archiven und
Bibliotheken sowie bei
Antiquaren und schon halbabgetretenen Gelehrten allmählich selbst
zum Gaspard.
Es entwickelt sich ein elegantes Spiel mit den letzten Fragen der
Menschheit
und mit den Antworten die sich uns bieten. Ein höchst ernsthaftes
Spiel, obwohl
die Situationskomik und die Ausdrucksweise immer wieder zum Schmunzeln
verführen, manchmal auch zum Lachen und sehr oft zum
Unterstreichen, weil man
nicht anders applaudieren kann.
Ein geistreiches Buch, das
man nur mit viel und ungestörter Muße und möglichst in
einem Durchgang lesen sollte,
weil man auf jeder Seite Sätze findet, die man zweimal lesen und
sich
regelrecht auf der Zunge zergehen lassen muß. Der Autor hat
Phantasie und
Esprit und eine überraschende Formulierungsgabe. Er schwingt sich
zu
Gottgleichheit auf, läßt uns mitschwingen und doch gleich
darauf wieder als
Hominiden herumirren.
Ist die Beschäftigung mit der
Philosophie für den einzelnen generell nichts anderes als ein
gigantischer und
immer noch weiter wuchernder Eklektizismus, so ist der Leser
berechtigt, sich auch
in diesem Buch, das ihm keine abschließende Welterklärung
und nicht den Stein
der Weisen bietet, nicht einmal eine Faustformel für den
Feierabend, eklektizistisch
mit ein paar neuen Gedanken zu versorgen. Für nicht einmal neun
Euro ein gutes
Geschäft.
(Walter
Laufenberg in:
www.netzine.de)
Bitte weiterpfeifen, Frau Scheib!
(Asta Scheib: Frau Prinz
pfeift nicht mehr, Roman, dtv München, Großdruck März
2007, 206 Seiten, € 9,-)
Zwei Menschen werden getötet,
zwei Kriminalbeamte ermitteln, drei Täter kennt der Leser am Ende.
Dennoch
nennt der Verlag das Buch einfach nur Roman und nicht Kriminalroman.
Vielleicht,
weil die Großdruckausgabe sich an ältere Menschen richtet,
die man nicht zu
sehr nervlich strapazieren will? Nein, die Kaschierung des
Krimicharakters hat
auch ihre inhaltliche Berechtigung.
Zunächst ist festzustellen: Da
fällt eine sehr unangenehme Nachbarin in ihrem Gärtchen tot
um, von einem
Dachziegel erschlagen. Das könnte ein Mord sein. Also wäre
das ein Krimi. Doch
ist ein Mord kein notwendiger Bestandteil eines Krimis.
Schließlich geht die
Fähigkeit des Menschen, ein Verbrechen zu begehen, weit über
die Körperdelikte
hinaus. Und viele Krimiautoren schaffen es sogar, auf völlig
unblutige Weise Dramatik
aufzubauen. Das kann viel interessanter sein als die Aufklärung
eines Mordes. Im
vorliegenden Beispiel geht es darum, dass versehentlich der Falsche
umgebracht
wird, und um lebensgefährliche Kindereien. Also um
unterschiedliche Tötungsdelikte.
Dabei fehlt die strafrechtliche Würdigung dessen, was geschehen
ist. Kein Wort
über den Unterschied von Mord und Totschlag. Kein Wort über
den mißglückten
Versuch und den Verstoß gegen die Aufsichtspflicht und deshalb
auch nicht über das
Vorliegen oder Nicht-Vorliegen von Schuld bei den Tätern und
über die daraus
folgende Strafbarkeit oder Nicht-Strafbarkeit dieser Taten.
Bei einem historischen Roman
ist der Leser gewohnt, die geschichtliche Einordnung in einer Vor- oder
Nachbemerkung zu finden. Das gibt ihm das befriedigende Gefühl,
etwas gelernt
zu haben. So war die Lektüre kein bloßer Zeitvertreib.
Beim Liebesroman bzw.
Liebesfilm gilt Kurt Tucholskys Spruch: Es wird nach einem Happy-End im
Film jewöhnlich
abjeblendt. So bleibt dem Leser oder Betrachter wenigstens das
Hochgefühl der
Hochzeit. Auch das ist mehr als nur Zeitvertreib.
Der Krimi dagegen beschränkt
sich stets darauf, bloß die Straftat selbst aufzuklären. Was
aus der Tat folgt,
fehlt regelmäßig. Weil das für den Autor zu schwierig
in der juristischen
Subsumtion wäre und zu schwer verständlich für den
Leser. Da werden sich ja
nicht einmal die mehreren Instanzen der Gerichte einig. Dabei gibt es
Bücher,
in denen die strafrechtlichen Folgerungen aus dem Fehlverhalten der
Akteure das
eigentlich Interessante wären, so dass es bedauerlich, ja
frustrierend ist,
wenn dazu kein Wort gesagt wird. Nicht Ende offen, sondern: Ende fehlt.
So ein halbes Buch hat die
Autorin geschrieben. Sie beläßt es dabei zu sagen: Dies und
das ist geschehen. Schluß,
ab, aus. Nach dem Prinzip: Dumm sterben lassen! Das trifft leider nicht
nur die
Figuren ihres Romans, sondern auch ihre Leser.
Immerhin ist das, was die
Autorin bietet, ein Zeitroman. Weil er nicht nur aus Spannung besteht.
Da kommt
eine Menge Ambiente über. Was allerdings auch jeder geschickte
Krimiautor als
Garnierung der spannenden Handlung einsetzt. In diesem Fall aber hat
der Rezensent
den Eindruck, dass die Garnierung im Vordergrund steht. Denn Asta
Scheib serviert
mit beharrlichem Kratzen an unserer Gutbürgerlichkeit
sozialkritische Einblicke
ins heutige Großstadtleben, die über die bekannten
Animositäten der Bayern
gegenüber den Preußen hinausgehen, und sie erfreut - vor
allem am Anfang des
Buches - mit wunderschön ironischen Formulierungen.
(Walter
Laufenberg in:
www.netzine.de)
(Andrea
Maria Schenkel: Tannöd, Kriminalroman, Edition Nautilus, Hamburg
2005, 126
Seiten, 12,90 €)
Nicht
zu übersehen: Der ungebremste Ehrgeiz der Krimiautoren macht
Deutschland zum
Land der Massenmörder – und damit den tatsächlichen
Verhältnissen in den USA
unfaire Konkurrenz. Gerade erst hat sich Craig Russel einen Orden der
Hamburger
Polizei, einen Polizeistern, damit verdient, dass er sieben Morde in
einem
einzigen Kriminalroman („Wolfsfährte“) untergebracht hat. Chapeau!
Anna
Maria Schenkel bringt es in dem vorliegenden Kurzroman immerhin auf
sechs
Morde, die innerhalb von weniger als einer Viertelstunde absolviert
wurden.
Aber das ist nicht der Grund für die Beschäftigung mit diesem
Buch. Auch nicht allein
die Tatsache, daß es mit dem Krimipreis des Jahres 2007
ausgezeichnet wurde. Gratulation!
„Tannöd“
ist lesenswert und damit auch einer Besprechung würdig, weil die
Autorin mit
diesem Erstlingswerk zeigt, wie belesen sie ist. Mit erstaunlicher
Sicherheit
hat sie die Reportageform gemeistert. Bloß eine kurze Andeutung
auf der ersten
Seite, und schon ist die Nachkriegszeit markiert, und die Autorin kann,
ohne
auch nur ein einziges Mal selbst aufzutreten und eine Frage zu stellen,
ihren
Roman als einen erfrischend lockeren Erlebnisbericht servieren,
gelegentlich
sogar als eine Art Frage- und Antwortspiel.
Es
geht um das, worum es schon bei den Dorfromanen eines Ganghofer ging, also Geiz und Engstirnigkeit und
Rabiatheit und Mißgunst, um Ausbeutung und sexuelle Eskapaden.
Wegen der Kürze
des Romans soll hier zum Inhalt mehr nicht gesagt werden, weil sonst
schnell
zuviel verraten würde. Jedenfalls ist das Buch von Anfang bis Ende
spannend,
weil immer nur Andeutungen darauf hinweisen, dass etwas passiert ist,
und weil
etliche falsche Fährten gelegt werden. Nur soviel noch: Die
Auflösung wird
manche Leser enttäuschen. Außerdem fällt auf, dass die
Bösen bei Andrea Maria
Schenkel stets Männer sind, während die Frauen nur immer die
Opferrolle zu
spielen haben. Hier verrät die Autorin sich als eine moderne Frau,
als Kind des
Mainstreams.
Darüber
hinaus erweist sie sich aber als fähig, ein bewährtes
literarisches Stilmittel
auf souveräne Weise dem Krimi anzupassen, nämlich die
Zeichnung der Personen
durch ihre Sprache. Man könnte sagen, dass sie es damit
übertreibt. Aber das
wäre eine Fehldeutung. Zugegeben, es nervt, dass anfangs lange
Passagen nur in
der Sprache von Kindern oder von schon halbwegs weggetretenen Alten
gebracht
werden. Aber das ist nur konsequent. Und wenn sie mit derselben Methode
später
den Pfarrer oder den Bürgermeister karikiert, wird es sogar
lustig. Die Autorin
verzichtet auf jede andere Personenzeichnung zugunsten der
sprachlichen. Das
Ergebnis ist eine von Kapitel zu Kapitel wiederholte, je nach dem
dargestellten
Typ variierende Schablonensprache. So einfältig wie einfallsreich,
wie da mit
allen sprachlichen Klischees des Dorfalltags und des
Kleine-Leute-Milieus beziehungsweise
der arrivierten Funktionsträger erzählt wird. Und doch
bleibt, was man zu lesen
bekommt, nur Schablonensprache. Satz für Satz so kurz und
penetrant wie die
Sprache der Bildzeitung, in der man genau so selten auf einen Nebensatz
stößt,
wie in diesem Buch.
Ist
der Kriminalroman im allgemeinen die Verselbständigung und
Übertreibung des
Spannungselements, was seine Stärke wie Schwäche ist, haben
wir es hier mit einem
anderen alten literarischen Stilmittel zu tun, das sich
verselbständigt. So
oder so Einseitigkeit.
Das
kennen wir aus der Geschichte des Spielfilms, dem Bruder des Romans.
Wegen der
Ähnlichkeit dieser beiden Kunstformen muß ein Vergleich
erlaubt sein. Die
Entwicklung des Kinofilms wurde begleitet von Experimentalfilmen, die
immer mal
wieder eine neue Technik entdeckt und ausgiebig vorgeführt haben.
Mal war das
beispielsweise die bewegte Kamera, mal die Vermeidung des Schnitts oder
die
krasse Unterperspektive, dann waren es bestimmte Tricks. Auffällig
war: Jeder
Experimentalfilm pflegte seine neue Errungenschaft zu übertreiben,
wurde dafür aber
von Cineasten bestaunt und gelobt. So wurde der Experimentalfilm immer
wieder zum
Wegbereiter für Spielfilme, die dann das große Erlebnis
brachten, indem sie die
neuen Techniken in ausgewogenem Verhältnis zu Bewährtem
einsetzten.
Der
Kurzkrimi „Tannöd“ ist als ein Experimentalkrimi zu sehen, der den
großen
Kriminalroman einen Schritt weiter bringt auf dem Weg zum literarischen
Ereignis. Ein Verdienst, das nicht unterschätzt werden sollte. Ist
es diesem
Buch doch bei aller Kürze gelungen, sogar ein Lesevergnügen
zu sein.
Eine
Leutnantnonne zum Sich-Verlieben
(Markus Orths: Catalina,
Roman, Goldmann-Taschenbuch, München 2006, 314 Seiten, € 7.95)
Ein Autor, dessen Name man
sich merken sollte. Denn wie er dieses Buch geschrieben hat, mit einer
geradezu
explodierenden Sprache, dabei phantasievoll und immer wieder wunderbar
ironisch, das ersetzt einem die Lektüre von mindestens drei
anderen zeitgenössischen
Machwerken. Kein Wunder, daß dieser Autor, der noch kein halbes
Dutzend Bücher
auf den Markt gebracht hat, schon etliche Literaturpreise kassieren
konnte.
Zuletzt, im Oktober 2006, bekam er vom „Autorenkreis historischer Roman
Quo
Vadis“ den Sir-Walter-Scott-Preis zugesprochen, und zwar für das
Buch
„Catalina“. Mit recht, handelt es sich bei dem, was der Verlag schlicht
als Roman
bezeichnet, doch um ein Musterbeispiel des gelungenen historischen
Romans.
Daran ändert nichts, daß es sich um eine auf Tatsachen
beruhende Darstellung
handelt und eine historisch belegte Figur im Mittelpunkt steht. Im
Gegenteil.
Diese Machart hievt den Roman in die Oberklasse der Gattung
historischer Roman,
die ja darunter leidet – imagemäßig – und davon profitiert –
pekuniär – , daß
sie von vielen Zeitgenossen immer noch als bloßes Lesefutter
aufgefaßt wird,
nur dazu geeignet, einen auf leichte Weise zu unterhalten
und den Alltag vergessen zu lassen. Eine
Fehleinschätzung,
die viele Leser, Autoren und Verleger zu einer mächtigen
Ignorantenvereinigung
zusammenschweißt.
Die Geschichte beginnt in San
Sebastian im April 1585, als Catalina als sechstes und letztes Kind
einer
wohlhabenden baskischen Familie geboren wird, und endet mit dem nur
noch
vermuteten Datum August 1649, als Catalina an unbekanntem Ort starb.
Dazwischen
liegt ein Doppelleben, so abenteuerlich, wie es toller kaum sein
konnte. Das Mädchen
hatte den Verlust seines großen Bruders, der nach Amerika gezogen
war, nicht
verschmerzen können und war deshalb ins Kloster gegangen. Als
Sechszehnjährige
fühlte sie sich endlich stark genug, ihm zu folgen. Sie riß
aus und zog
Männerkleidung an und machte sich auf den Weg nach West-Indien, um
ihren Bruder
zu suchen. Als Francisco Loyola wurde sie Assistent eines Arztes und
schließlich ein Leutnant, dessen schnelle Klinge so
gefürchtet war wie sein
gerissenes Kartenspiel. Um zu überleben, mußte sie manchen
Mann töten,
schließlich auch den Mann, den sie nicht töten wollte.
Zuletzt rettete sie nur
noch die Enthüllung ihrer stets gut verborgenen Weiblichkeit vor
dem Strang,
als sie bereits auf dem Schafott stand und erstmals nicht mehr
weiterwußte.
Die Leutnantnonne Catalina de
Erauso, genannt Francisco Loyola, wurde auf diese Weise eine
Berühmtheit, die
die Zeiten überlebt und schon mehrfach Eingang in die Literatur
gefunden hat.
Eine Frau in Männerkleidung, die als große Kämpferin
auftritt, ist ja immer
eine Attraktion. Ob es sich um die berühmte Jeanne d’Arc handelt
oder um die
junge einheimische Rhodesierin Anastasia, die bei der Eroberung von
Rhodos
durch das riesige Heer des türkischen Sultans Suleyman der
Prächtige im Jahre
1522 in voller Rüstung ihr Leben
ließ.
Doch muß man trotz der Parallelen sagen: Dieser Roman der
Leutnantnonne wurde
durch das Doppelleben einer unerschrockenen Frau und ie Sprachgewalt
eines
Autors zu einer erregenden Doppelpackung aus historischem Roman und
Abenteuerroman.
Er schildert die sonderbarsten Beziehungen zwischen Menschen in so
vielen
Facetten, zeigt derart unübliches Leben in ungewöhnlichen
Situationen, daß sich
vor den Augen der Leser in immer neuen Überraschungen immer neue
Abgründe des
Menschlichen auftun. Dabei schreckt der Autor nicht davor zurück,
auch
seitenlange Erklärungen zu historischen Konstellationen oder zum
Ausbruch einer
Krankheit zu bieten. Dies allerdings nicht als Unterbrechungen des
Handlungsablaufs, sondern als ein kräftiges Schütteln des
Kaleidoskops, womit
ein neues buntes Bild aufgebaut wird. Am Ende schüttelt man das
zugeschlagene
Buch in der Hand und bedauert, daß es aus ist.
Schluß mit dem Jüngsten Gericht!
Nein, ich werde nicht
vollmundig große Sprüche machen, die als Werbeslogans
eingesetzt werden können.
Dafür besteht ohnehin kein Bedarf mehr. Das Buch hat sich
längst auf dem
Buchmarkt durchgesetzt. Und ich werde auch nicht den Plot nachplappern
und
damit den Literaturinteressierten mit wenig Zeit oder Geduld die
Lektüre dieses
Romans ersparen. Damit würde ich einen Raub begehen. Statt dessen
dieses:
Erst auf Seite 271 wird klar,
daß es sich bei dem Titel um einen sprachlichen Fehlgriff
handelt, und das
sowohl in der Übersetzung als auch bei dem Originaltitel „The
Human Stain“. Denn
nicht von dem erwarteten arttypischen Makel des Menschen ist die Rede,
sondern
von dem Makel, den der Mensch der übrigen Natur bei jeder
Berührung mit ihr
aufdrückt. Sicherlich eine absichtliche Unsauberkeit des
Ausdrucks, weil sie es
fertigbringt, den Menschen als ein bloßes Stück Natur zu
deklarieren.
Damit hat der Autor das
Terrain vorbereitet für die Schilderung von Schicksalen in einer
so drastisch
elementaren Art, wie sie kein Spiegel zeigen kann. Da ist alles
Äußerliche an
den Personen der Handlung, obwohl haargenau notiert, nur Beiwerk, wenn
nicht
Camouflage. Der Mensch, dieses Tier mit der hypertrophen
Hirnentwicklung, ist
so bedrohlich, wie ein schweres Gewitter, so unberechenbar, wie die
Eruptivkraft der Erde, so falsch, wie die Mondsichel. Und ob sich die
Natur von
der Berührung durch den Menschen zu reinigen vermag, wie es der
Bergsee mit den
mehreren Zuflüssen kann, „dessen Wasser ständig erneuert und
gereinigt wird“,
wie es im letzten Satz des Buches heißt, das ist die Frage, die
offenbleibt.
Der Roman über einen
hochverdienten ehemaligen Professor an einer kleineren, aber noblen
amerikanischen Ostküsten-Universität, der sich mit seinen 71
Jahren einer
vierunddreißigjährigen Putzfrau hingibt, ist die
Comédie humaine Amerikas. Und
mehr als das. Er ist unser aller Entlarvung. Ob man sich dabei mehr in
einer
der beiden Hauptpersonen oder in dem Ich-Erzähler oder in einer
der zahlreichen
Gegen- und Nebenfiguren dargestellt sieht, ist mehr als eine
Geschmacksache. Da
wird deutlich, wieviel Anteil der Zufall am jeweiligen Schicksal hat,
wieviel
Anteil auch die Hautfarbe und das Milieu, aus dem man stammt, die
Ausbildung
und die Tätigkeit, die Erwartungshaltung der Nachbarn und Kollegen
und so
weiter. Dieser Gedanke - zu Ende gedacht - ist die Aufhebung der
Verantwortlichkeit
und der Schuldfähigkeit des Menschen. „Der menschliche Makel“ geht
nur bis zur
Beerdigung und läßt das „Jüngste Gericht“ ins Leere
laufen. Weil ein Makel, der
nicht abwaschbar ist, sich nicht pönen läßt.
Ein Lesegenuß, der nur in
Superlativen zu beschreiben wäre. Im einzelnen könnten hier
Textpartien
angeführt werden, die einfach grandios sind. So die innere Raserei
des
Vietnamveteranen, der durch die Kriegserlebnisse so versaut ist,
daß er nicht
mehr in den zivilisierten Alltag zurückfinden kann. Oder das
zähe Ringen der
aus Frankreich stammenden jungen Professorin mit den Einfällen
ihrer
Hyperintelligenz, die sie niederschreibt und an die Öffentlichkeit
bringt, ohne
das eigentlich zu wollen. Oder das liebevolle Turteln der früh
mißbrauchten und
dann immer nur ausgenutzten Putzfrau mit der Krähe in einer
Voliere, mit der
sie sich schließlich verlobt. Immer wieder Anlässe für
Äußerungen des Autors,
die wie in Stein gemeißelt dastehen. Das heißt, man
muß bei der Lektüre dieses
Buches immer wieder nach dem Kugelschreiber greifen, um zu
unterstreichen, was
man so noch nirgends gelesen hat.
Fazit: In der Zeit der öden
Debütantenmode ist es eine Wohltat, ein großes Werk eines
Altmeisters der
Literatur lesen zu dürfen.
(Arnaldur Indridason:
Kältezone, Island-Krimi, aus dem Isländischen von Coletta
Bürling, Edition
Lübbe, Bergisch Gladbach 2005, 413 Seiten mit Karten vorne und
hinten, gebunden
18,- €)
Generell kann man die
Literaturgattung Krimi so definieren: Der Krimi ist der Rennwagen der
Literatur, aufregend aufgemotzt, aber zu nichts nütze, zudem von
einem
gefahren, der nichts anderes kann als fahren und nur darauf aus ist,
schnell an
ein Ziel zu kommen, das kein Ziel ist.
besagt noch
nichts. Nur zu
verständlich, wenn ein Verlag versucht, seine Angebote zu
Premium-Produkten
hochzustilisieren. Dabei sogar den Autorennamen mit einem
isländischen Schriftzeichen
zu schreiben, das es in unserem Alphabet nicht gibt, ist wie
Schlagobers auf
dem Wiener Kaffee. Man weiß in Bergisch Gladbach: Die Deutschen
lieben Ausländisches.
Der Leser auch
nicht. Er hat immer
wieder Schwierigkeiten mit den vielen isländischen Vornamen, und
nur die werden
in Island benutzt. Sie haben meist die aparte Eigenart, das Geschlecht
nicht
erkennen zu lassen. Schon irritierend, wenn man nicht weiß, ob es
sich um
Männlein oder Weiblein handelt.
(Gunnar
Gunnarsson: Advent im Hochgebirge, Erzählung, aus dem
Dänischen
übersetzt
und mit einem Nachwort versehen von Helmut de Boor, Verlag Philipp
Reclam jun.,
Leipzig 1936, gebunden 78 Seiten)
Ausnahmsweise
einmal keine Neuerscheinung, um die es hier geht, sondern aus
gutem Grund der Griff nach einem bejahrten Erfolgsbuch. Weil ich im
Sommer 2006
als Gast in dem Haus lebe, das der Autor dieses Buches sich gebaut hat
und in
dem er auch gestorben ist, im Gunnarshus, wie es heute heißt, in
Islands Hauptstadt
Reykjavik.
Ein
Mann bricht am 1. Adventssonntag ins Hochgebirge Islands auf, um noch
rechtzeitig vor dem Einbruch des strengen Winters die Schafe zu retten
und zu
ihren Besitzern heimzubringen, die bei der großen Sammelaktion im
Herbst nicht
aufzutreiben waren, weil sie sich verirrt hatten. Der Mann ist Knecht
und hat
eigentlich jetzt seine ruhige Zeit. Doch geht er dieser
selbstgestellten
Aufgabe seit 27 Jahren nach, weil er den Gedanken nicht ertragen kann,
daß die
wehrlosen und ziellos herumstreunenden Tiere, wie er selbst
Geschöpfe Gottes,
den Schneestürmen zum Opfer fallen. Er ist bei dieser Suche nicht
allein. Stets
begleiten ihn sein kluger Hund und sein unerschütterlicher
Leithammel.
Diesmal
scheint der harte Winter früher einsetzen zu wollen, weshalb ihm
gutmeinende Bauern von der Suchaktion abraten. Doch geht dem Mann nicht
aus dem
Kopf, daß er als 27-Jähriger das erste Mal zur Schafsuche
aufgebrochen ist, daß
er also jetzt eine Art Jubiläum feiert. Das ist die eine
Komponente, die den
gutwilligen Toren zeichnet, die andere ist seine Erinnerung an fromme
Sprüche
aus der Bibel und aus dem Mund des Pastors. Dazu kommt, daß er
mit seinem Hund
und seinem Widder eine Dreieinigkeit darstellt, die gewohnt ist,
wortlos und
doch perfekt zusammenzuarbeiten. Die beiden Tiere werden dabei so
menschlich
dargestellt, wie der Mann als das grosse Leittier. Nur daß dieses
Leittier eine
Psyche hat, die ausführlich zu Wort kommt, mit all ihren
Wünschen und Bedenken
und Ängsten und ihrem Trotz. Insgesamt verrät diese
berühmte kleine Geschichte
mehr über die innere Suche als über die Suche nach den
Schafen. Darin ist sie
einer anderen berühmten kleinen Geschichte ähnlich,
nämlich Ernest Hemingways
“Der alte Mann und das Meer”, wenn man einmal Schnee und Meerwasser
gleichstellt, Schafe und Fische.
Erstaunlich,
wie eine kurze Erzählung sich den Luxus eines lang
ausgerollten Spannungsaufbaus leistet. Als Leser wird man so
überrascht von dem
plötzlichen Wintereinbruch, wie der Protagonist mit seinen Tieren.
Und man stapft
mit derselben Geduld, ja Sturheit, durch die Seiten, als ginge man
durch die
Unendlichkeit des Schnees. Eingehüllt in das dichteste
Flockentreiben, das
einen nichts anderes mehr sehen läßt, nichts anderes auch
lesen und denken. Den
Erfolg der Suche bringt der Autor in einer kurzen Bemerkung. Um dann
gleich wieder
zu der neuen Erschwernis überzuleiten, wie die Tiere, die sich
nicht mögen, in
einer Gruppe zurück zu bringen sind. Erneut diese anthropomorphe
Darstellung,
die ja immer ankommt.
Hunger
und Müdigkeit en masse. Mehrfach ist der freundliche Sucher,
dieser
gute Hirte, wie er im Buch der Bücher steht, drauf und dran,
seiner totalen
Erschöpfung nachzugeben. Doch weiß er, daß ein
Sich-Hinsetzen den Tod bedeuten
würde. Deshalb macht er sich klar: “Es ist des Menschen Aufgabe,
einen Ausweg
zu finden – vielleicht seine einzige. Nicht nachzugeben. Wider den
Stachel zu löcken,
so spitz er auch ist. Selbst wider den Stachel des Todes, bis er sich
einbohrt
und das Herz trifft. Das ist des Menschen Aufgabe.”
In
diesem Zitat zeigt sich der Stil des Buches: Alles wieder und wieder in
leicht abgewandelter Form repetiert. Eine Schreibe, die für den
heutigen Leser
gewöhnungsbedürftig ist. Aber wichtiger als das ist: Hier
klingt das Heroische
an, das aus der Tradition der isländischen Sagas kommt. Das war
der Tonfall,
der dem isländischen Dichter, der in Dänemark lebte und auf
Dänisch schrieb, in
den Jahren zwischen den beiden Weltkriegen in Deutschland die
Verlagstüren und
die Leserherzen öffnete. Allein in dem Münchner Verlag Albert
Langen - Georg Müller
erschienen 15 Erzählungen, Novellen und Romane von Gunnar
Gunnarsson, alle in
mehreren Auflagen. Weitere Titel hatten
der
Leipziger Insel-Verlag und der Reclam-Verlag auf den Markt geworfen.
Der Blut-
und Boden-Ideologie und dem Germanenkult des Nationalsozialismus kamen
Gunnarssons Bücher gerade recht. Und der auf diesen Grundton
eingestimmten Bevölkerung
mußten die Werke Gunnarssons als authentische Belege der gerade
herrschenden
Mode erscheinen.
Der
1889 im rauhen Osten Islands als Farmersohn geborene Dichter war
Autodidakt. Früh verlor er seine Mutter. Mit 18 Jahren zog er nach
Kopenhagen,
um sich dort in der Volkshochschule, dieser neuen und schnell
renommierten dänischen
Erfindung, mit Bildung zu versehen. Gleichzeitig verlegte er sich bei
seinen
Schreibbemühungen auf das Dänische, das ihm gegenüber
dem Isländischen den weit
größeren Sprachraum bot. Zwei Entscheidungen, die Gunnarsson
bei all seiner
Begeisterung für Religiöses und für Nordisch-Mystisches
als einen kühlen
Realisten ausweisen. Als 1912 der erste Teil seines großen Romans
“Die Leute
auf Borg” erschien, fand er spontane Anerkennung. Der
Hinterwäldler hatte jetzt
einen Namen und konnte ein Buch nach dem anderen veröffentlichen.
1939 verließ
er Dänemark und verbrachte den Zweiten Weltkrieg im Osten Islands,
das sich
neutral hielt. Von 1948 bis zu seinem Tod 1975 lebte er in Reykjavik.
Jetzt
schrieb er nur noch in seiner Muttersprache, dem Isländischen.
Denn er galt als
der Heros der isländischen Literatur.
Daß
er heute in den Buchhandlungen Reykjaviks kaum noch zu finden ist und
daß auch in Deutschland nur das hier rezensierte Büchlein
als einziger Titel im
Handel ist, macht stutzig und wirft die Frage nach dem Warum auf. Es
liegt das sicher
nicht nur am überkommenen Stil und an der für seine Werke
typischen
Verinnerlichung der Dramatik. Er scheint auch von der Ablehnung des
deutschen
Nationalsozialismus etwas abbekommen zu haben. Dabei war er sicherlich
nicht
ein Sympathisant, wie beispielsweise Knut Hamsun. Doch wie leicht
schleicht
sich ein Mißverständnis ein, obwohl einer, für den die
Nazis sich begeistert
haben, deshalb noch kein Nazi zu sein braucht. Außerdem muß man wohl zugeben, daß sein 13
Jahre jüngerer
Kollege Halldor Laxness (1902-1998) ihm nicht nur die Schau gestohlen
hat, sondern
auch den bleibenden Erfolg, als er 1955 den Literaturnobelpreis in
Empfang
nahm, den viele Isländer eher Gunnar Gunnarsson gegönnt
hätten. Unübersehbar: In
den Buchhandlungen Reykjaviks beherrscht Halldor Laxness heute die
Bretter, die
für Literaten die Welt bedeuten – die Regalbretter.
(Walter
Laufenberg in: www.netzine.de)
Als
Mahl begann’s
(Tania Blixen:
Babettes Fest, Roman, aus dem Englischen von W. E.
Süskind, Verlag Klaus Wagenbach, Berlin 2006, 76 Seiten, 8.90 €)
Kein Roman, wie der Verlag etwas großspurig untertitelt, sondern
eine kleine
Erzählung, entnommen einer Anekdotensammlung der Autorin. Aber ein
höchst
ernsthaftes Stück Menschenbetrachtung. Und sogar noch etwas mehr.
Die dänische
Schriftstellerin Tania Blixen (1885-1962), die in Wahrheit Baronin
Karen
Christence Blixen-Finecke hieß, hat mit dieser Story eine Art
Anti-Erzählung
geschaffen.
In einem abgelegenen dänischen Fischerdorf an der Küste Jütlands führen die beiden Schwestern Martine und Philippa ihrem alten Vater den Haushalt. Er ist Propst, der Seelenhirte und unbestrittene Herr des Ortes. Die Mutter, wohl verstorben, hat die Autorin einfach unter den Tisch fallen lassen. Der Propst hat die Bewohner zu einer frommen pietistischen Gemeinschaft zusammengeschmiedet. Als ein Mann um die Hand der einen Tochter anhält, bekommt er die ablehnende Antwort des Muster-Egoisten zu hören: „Meine beiden Töchter sind meine rechte und linke Hand. Wollt Ihr mir etwa eine Hand abtrennen?“ Der nächste Bewerber ist ein junger Leutnant, vom Vater argwöhnisch betrachtet und deshalb von der gehorsamen Tochter, der jüngeren, in heldinnenhafter Selbstüberwindung weggeschickt. Der dritte Bewerber, ein berühmter Sänger von der Pariser Oper auf Urlaub, erkennt das ungewöhnliche Gesangstalent der älteren Schwester, gibt ihr kostenlosen Unterricht und kommt ihr über dem hinreißend gesungenen Verführungsduett „Reich mir die Hand, mein Leben“ aus „Don Giovanni“ näher. Und wird von ihr weggeschickt, weil sie den Vater nicht verlassen kann.
Zeitsprung.
Das Fischernest ist jetzt ohne den Propst.
Die beiden Töchter, feine alte Fräuleins, um nicht zu sagen,
vertrocknete
Jungfern, bemühen sich redlich, den verstorbenen Seelenhirten zu
ersetzen. Doch
zeigt sich, daß die Frömmler nur durch die autoritäre
Herrschaft des Propstes
zusammengehalten worden waren. Nun ist die hinterwäldlerische
Gemeinschaft
durch kleingeistigen Zank und Streit zutiefst entzweit. Da erscheint
eine
Französin im Ort, die von den politischen Unruhen nach dem
Scheitern der
Pariser Kommune von 1871 aus dem Land fliehen mußte.
Damit beginnt auf Seite 25 die eigentliche Erzählung, alles andere war Vorgeschichte. Die Französin heißt Babette. Sie wird als Hausgehilfen ohne Bezahlung von den beiden barmherzigen Schwestern aufgenommen und geduldig in die Sprache und Alltagsarbeiten eingewiesen. Sie lernt überraschend schnell, das ärmliche Essen schmackhaft zu bereiten, und das sogar noch besonders sparsam. Erst spät verrät sie ihr Geheimnis: Eine Freundin in Frankreich spielt für sie in der Lotterie. Dann kommt, was kommen muß: Eines Tages erhält Babette einen großen Gewinn ausgezahlt. Da erbittet sie sich die Erlaubnis, anläßlich des anstehenden hundertsten Geburtstages des Propstes ein Festessen für das ganze Dorf zu veranstalten, und zwar ein französisches Essen, auf ihre Kosten.
Das Festessen ist der Clou des Ganzen. Die feinsten und teuersten Zutaten und Getränke läßt Babette aus Frankreich kommen. Und es kommt auch der ehemalige Liebhaber, der Leutnant, der aus lauter Frust Karriere gemacht hat und französischer General geworden ist. Die Autorin läßt in einer wunderbar plastischen Szene den alten General mit dem jungen Leutnant, der er einmal gewesen ist, ins Gespräch kommen. Diese Konfrontation ist aufregender als das Wiedersehen mit der ehemals umschwärmten Dame. Die Frömmler des Ortes lehnen nicht nur die unbekannten Speisen und Getränke ab, sie haben auch ein schlechtes Gewissen, sich an der Völlerei zu beteiligen. Deshalb haben sie sich vorher auf eine eigenartige Form des Nichtmitsündigens geeinigt. Sie haben sich geschworen, das Fest in Gehorsam und Geduld durchzustehen, aber kein Wort über das Essen zu verlieren. Doch nach der Tischrede des Generals, die ihm unwillkürlich zu einem Gebet und einer Art Predigt wird, zeigen sich die Menschen verändert. Als sie sich spät in der Nacht auf den Heimweg machen, hat es geschneit. So können sie ihre unsicheren Schritte und ihr Umfallen auf den Schnee schieben.
Der
Höhepunkt der Handlung soll hier nicht verraten
werden. Nur soviel sei gesagt: Die Hausgehilfin Babette entpuppt sich
als
Meisterköchin. Und die Kochkunst steht in dieser Erzählung
ganz allgemein für
Kunst, das heißt für Überlegenheit. Sie sei eine
große Künstlerin und deshalb
niemals arm, sagt Babette. Daß sie das in dieser abseitigen und
bigotten Welt
ohne jedes Kunstempfinden selbst von sich sagen muß, ist der
herbe Zug um den
lachenden Mund der Erzählerin Blixen.
Man hat
überm Lesen ein kleines Drama erlebt: Immer
wieder bahnte sich eine neue Entwicklung an, doch jedes Mal wurde, was
so
naheliegend war, nicht Wirklichkeit. Die Sache verrann ergebnislos im
grauen
Alltag. So muß man schließlich akzeptieren: Das ist
die wahre
Wirklichkeit des Lebens, daß so gut wie nie Großes gelingt.
Aus hundert
glückverheißenden Ansätzen werden neunundneunzig
Enttäuschungen. Das ist die
eine Erkenntnis des Lesers. Die andere ist: Pietistische Verbohrtheit
und eine
Bescheidenheit, die wie Askese wirkt, sind meist nur von beherrschenden
Personen und von den Verhältnissen erzwungen und deshalb eine
schlechte
Maskerade, hinter der das kleine Menschsein besonders mies
hervorschaut.
Für diese beiden Erkenntnisse kann man es hinnehmen, daß Tania Blixen keine schöne Geschichte mit Happy-end, sondern eine Anti-Erzählung geschrieben hat. Die wurde 1950 zunächst in einer Frauenzeitschrift veröffentlicht, dann 1958 in der Erzählsammlung „Anecdotes of Destiny“. Als Anti-Erzählung bezeichne ich sie, weil sie eine Story ist, die zwar überraschende, zufällige Verbindungen der Personen aufweist, aber ohne den sonst üblichen Trost des Positiven und die glückliche Wendung. Die lebenskluge Autorin hat das wahre Leben geschildert. Wer daraus lernt, vom Leben keine Wunder zu erwarten und den Frömmlern zu mißtrauen, hat mehr bekommen, als das schmale Bändchen gekostet hat.
(Walter
Laufenberg in: www.netzine.de)
Ein
Schlag ins bronzene Gesicht
(B. Traven: Das
Totenschiff,
Roman, Büchergilde Gutenberg im Diogenes-Verlag, Zürich 1983,
308 Seiten, 9.90
€)
Es gibt Bücher, die können
nicht sterben. Dieser Seemannsroman gehört zu ihnen, obwohl er den
Tod schon im
Titel trägt, vom Sterben erzählt und von einem Autor
geschrieben wurde, von dem
man nichts gewiß weiß, außer daß er am 26.
März des Jahres 1969 in Mexico City
gestorben ist.
Wann und wo der unter dem
Namen Bruno Traven und etlichen anderen Pseudonymen schreibende Autor
geboren
wurde, 1882 in San Francisco oder 1890 in Chicago oder irgendwann und
irgendwo
sonst, ist nicht festzustellen. Auch nicht, wie er wirklich hieß.
Doch nimmt
man an, daß er mit dem Mann identisch ist, der unter dem
Pseudonym Ret Marut in
dem „Neuen Theater-Almanach“ der Genossenschaft Deutscher
Bühnen-Angehöriger für
das Jahr 1908 als Schauspieler und Regisseur am Stadttheater Essen
aufgeführt
wurde. Dieser Ret Marut engagierte sich politisch und
veröffentlichte Kurzgeschichten
sowie Erzählungen. Seit 1917 gab er die
sozialistisch-anarchistische Zeitschrift
„Der Ziegelbrenner“ heraus, die 1921 verboten wurde. Ret Marut war nach
dem
Ende des Ersten Weltkriegs an den Umtrieben der bayerischen
Räteregierung
beteiligt, wurde 1919 festgenommen und vor ein Standgericht gestellt.
Es drohte
ihm die Hinrichtung, doch konnte er entkommen. Es gibt ein Polizeifoto
von Ret
Marut, das im Dezember 1923 in London aufgenommen worden ist. Seit 1924
schickte er seine auf Deutsch geschriebenen Romane und Erzählungen
von seinem
Refugium im tropischen Busch Mexikos nahe Tampico nach Deutschland, und
zwar an
die gerade erst gegründete gewerkschaftliche Buchgemeinschaft
Büchergilde
Gutenberg. Bei ihr erschien unter dem erfundenen Autorennamen B. Traven
neben
den Romanen „Die Baumwollpflücker“ und „Der Schatz der Sierra
Madre“ sowie
diversen weiteren Büchern im Jahre 1926 Travens erfolgreichster
Roman „Das
Totenschiff“.
Es geht um einen Seemann, der
aus New Orleans stammt, aber bei einem Aufenthalt in Antwerpen nicht
rechtzeitig aus dem Bett eines Freudenmädchens kommt, deshalb sein
Schiff
verpaßt und seine gesamte Habe, sein Geld und seine Papiere
verliert, damit
auch seine Identität und alle Rechte, praktisch sogar sein
Lebensrecht. Er wird
von jedem Staat, in dem er Fuß zu fassen versucht, in den
nächsten abgeschoben.
Kein Konsul fühlt sich für ihn zuständig.
Schließlich läßt er sich in Barcelona
von dem Frachter „Yorikke“ schanghaien. Damit ist er auf einem
sogenannten
Totenschiff, nach heutiger Diktion einem Seelenverkäufer. Ein
total
heruntergekommenes Schiff, ein halbes Wrack, nur noch dazu bestimmt,
mit einer
angeblich wertvollen Ladung und der Mannschaft unterzugehen und dem
Eigentümer
die Versicherungssumme einzubringen.
Wie der Autor die Odyssee des
Staatenlosen schildert, das ist haarsträubend und packend - und
dabei auch noch
von bleibender Aktualität. Der heutige Leser denkt natürlich
sofort an den
Nansenpaß. Traven erwähnt dieses Ersatzdokument nicht, weil
es dem ehemaligen
amerikanischen Seemann nicht zustand. Man kann aber davon ausgehen,
daß Travens
ergreifende Darstellung des Flüchtlingsloses dazu beigetragen hat,
den von dem
norwegischen Forscher und Diplomaten Fridtjof Nansen nach dem Ende des
Ersten
Weltkriegs zu einer Institution gemachten Nansenpaß für
staatenlose russische
und armenische Flüchtlinge nach und nach zu einem Rettungsanker
für ehemalige
Angehörige vieler anderer Nationen werden zu lassen.
Nicht weniger aktuell dürfte
die Schilderung der desolaten und unmenschlichen Verhältnisse an
Bord des
Totenschiffs sein. Nicht bloß das Fremdsein in der aus
Versprengten vieler
Nationen zusammengewürfelten Mannschaft, die sich nur mühsam mit einem Primitiv-Englisch
verständigen konnte, ist tagesaktuell. Genauso das der
Willkür skrupelloser
Chefs ausgelieferte Dasein der Arbeiter an Bord, die keinerlei Rechte
einfordern konnten und halbwegs zu Tode geschunden wurden. Bieten doch
auch
heute die Weltmeere Platz genug zum Ausflaggen und zum Wegtauchen unter
verbrieften
Konventionen, von Tarifvorschriften und Grundrechten, von Anstand und
Menschlichkeit ganz zu schweigen.
Die Drastik der Darstellung
in einer der Situation entsprechenden Sprache, auch die Ironie und der
wortgewaltige Haß auf die Staatsgewalt, die Bürokratie und
den Nationalismus,
all das kann man als zeitbedingte Stilelemente abtun. So der Seufzer:
„Nur der
Mensch, der kleine, der muß das Gesetz achten, der Staat braucht
das nicht. Er
ist die Allmacht. Der Mensch muß Moral haben, der Staat kennt
keine Moral.“ Mit
solchen Feststellungen hat der Autor aber leider bis heute recht. Ist
der
Vorwurf des Staatsterrorismus doch noch so neu, und erst 80 Jahre nach
Erscheinen des Buches wird vor dem Internationalen Gerichtshof in Den
Haag
erstmalig ein Gerichtsverfahren wegen Kriegsverbrechen gegen einen
Staat
geführt, nämlich gegen Serbien.
Erstaunlicherweise hat sich
der Anarchist und Sozialrevolutionär Traven mit diesem Buch auch
schon über die
simple Arbeiterverherrlichung seiner Zeit erhoben. Wenn er die
Verachtung
schildert, mit der jeder auf den unter ihm Stehenden hinabschaut, dann
überrascht er uns mit der Erkenntnis: „Niemand versteht es so gut,
feine und
allerfeinste Rangunterschiede zu machen, wie der Arbeiter.“ Das
schlägt
Tausenden von romantisch verklärenden Arbeiter- und
Bauern-Denkmälern ins
steinerne oder bronzene Gesicht. Wie die unter sozialistischer
Herrschaft
Lebenden erst viel später zu spüren kriegten. Da war auf
einmal nicht mehr der
Staat der Feind, sondern der Genosse.
Kein Wunder, daß ein Buch wie
„Das Totenschiff“ nicht stirbt. Es ist so aktuell wie vor achtzig
Jahren. Und
spannend ist es natürlich auch.
(Gábor Görgey: Sirene der
Adria, Roman, mit einem Vorwort von Imre Kertész, aus dem
Ungarischen von Jörg
Buschmann, Salon Literaturverlag, München 2004, 240 Seiten,
gebunden, 19,80 €,
ISBN 3-9809635-0-0)
Das Buch ist beides geworden.
Und noch einiges darüber hinaus, nämlich
Dalmatien-Reisebericht und
Familienroman und Liebesgeschichte und auch ein Exempel für das
Scheitern einer
großen Freundschaft, daneben vermutlich weitgehend eine
Autobiographie.
Der 1929 geborene Autor
entstammt einer angesehenen alten Patrizierfamilie aus Budapest, wo er
die
glückliche Zeit einer wohlbehüteten Kindheit erlebt. Kaum hat
die sowjetische
Zwangsherrschaft die Schreckensherrschaft der Nationalsozialisten und
Pfeilkreuzler
abgelöst und Gábor Görgey ein Studium der Germanistik
begonnen, da wird er mit
der gesamten Familie aus Budapest deportiert. Als Angehörige der
alten
Oberschicht sind die Görgeys für die Kommunisten nicht mehr
tragbar. Erst 1954
kehrt der Autor an die Universität zurück, wo er ein Studium
der Theologie
beginnt, das er aber dann gegen die Arbeit als Journalist und
Theaterleiter
eintauscht. Nach dem Zusammenbruch der Sowjetherrschaft im gesamten
Ostblock
wird der Dreiundsiebzigjährige Minister für Kultur der
Republik Ungarn. Er ist
im selben Alter wie Konrad Adenauer, als dieser Bundeskanzler wurde.
Doch hielt
ihn die politische Arbeit nur von 2002-2003 von seiner wichtigeren
Tätigkeit
als Stückeschreiber und Romancier ab. Dieser Tatsache verdanken
wir den so
aufschlußreichen wie ergreifenden Bericht über den
größten Teil des 20.
Jahrhunderts, die „Sirene der Adria“.
Den Journalisten und
Politiker merkt man seinem Buch genauso an wie den vielfach
preisgekrönten Dichter.
Aus diesem dreifachen Blickwinkel resultiert das erregende Changieren
des
Textes. Denn mal sind es Alltagsbeobachtungen, mal generelle
Feststellungen,
die das Märchen aus der Tiefe der Adria an die Oberfläche der
Gesellschaftskritik hieven. Doch immer wieder versteht es der Autor,
mit
Schlüsselbegriffen wie Atlantis, Sirene, Engel mit Sternenaugen
oder große Amme
das Alltägliche ins Allgemeine und Ewige umzuformen. Damit
präsentieren sich
dem Leser so unterschiedliche Dinge wie eine sehr persönliche
Geldtheorie oder die
rostrote Erinnerung an die gescheiterte Kolchoswirtschaft, Sexszenen
von
behutsamer Überdeutlichkeit, eine Kritik des angeblich so
erfolgreichen
Gulaschkommunismus, die grandiose Verurteilung der Yuppies, aber auch
Nekrophiles oder die sinnlose Frage nach dem Sinn des Lebens.
Gábor Görgey erweist sich als
ein Märchenerzähler, der mit der feinen Kultiviertheit einer
untergegangenen
Epoche spricht, seine Erzählung aber mit Gesten seiner von
Zwangsarbeit und
Brotarbeit schwielig gewordenen Hände unterstreicht. Was sein
Märchen um so
glaubhafter werden läßt – und um so eindrucksvoller.
(Walter Laufenberg in:
www.netzine.de)
(Henning Mankell: Die rote
Antilope, aus dem Schwedischen von Verena Reichel, Roman, dtv,
München 2003,
381 Seiten, € 10,-)
Ein Buch über das Heimweh?
Ja, das auch. Aber eigentlich viel mehr. Der schwedische Krimi-Autor
Henning
Mankell, der sich hin und wieder den Luxus erlaubt, neben der
Brotarbeit ein
Stück Literatur zu verfertigen, hat mit diesem Buch ein Problem
aufgegriffen,
das zumindest am Rande auch zum Modethema Globalisierung gehört.
Der
abwechselnd in Schweden und Afrika lebende Autor verlegt die Handlung
dieses
Afrika-Buches in die Zeit kurz nach der ein weltweites Aufsehen
erregenden
Auffindung des verschollenen Missionars David Livingstone durch Henry
Morton
Stanley im Jahre 1871 und vor der Berliner Afrika-Konferenz von
1884/85, sich
damit nicht zufällig dem Höhepunkt der Vergewaltigung Afrikas
durch die
europäischen Großmächte widmend.
Ein schwedischer
Möchte-Gern-Naturforscher bricht im Jahre 1877 nach Afrika auf, um
ein
unbekanntes Insekt zu finden, dem er seinen Namen geben kann. Auf diese
Weise
will er sein verpfuschtes Leben doch noch zum Leben einer
Berühmtheit werden
lassen. In der Wüste Kalahari nimmt er sich aus Mitleid eines
schwarzen Jungen
an, dessen Angehörige bei einem der üblichen
Überfälle durch die Kolonisten
ermordet worden waren. Er nimmt ihn als seinen Quasi-Sohn mit nach
Schweden und
auf seine Vortragsreisen über Insekten. Dabei wird jedoch der
Junge zur
eigentlichen Sensation, weil man in Schweden noch keinen Neger gesehen
hat. Und
der gutmeinende Forscher wehrt sich erfolglos gegen diesen
Sarotti-Effekt.
Steht im ersten Teil des
Buches der schwedische Forscher im Mittelpunkt des Interesses und auch
der
Sympathie des Lesers, weil das Geschehen aus der Sicht dieses halb
lächerlichen, halb bedauernswerten Hinterwäldlers geschildert
wird, so verlegt
der Autor im zweiten Teil den Schwerpunkt auf den schwarzen Jungen und
seine
ermordeten Eltern. Erst im dritten Teil ist der Junge die Hauptfigur,
jetzt in
seiner unvermeidlichen Zerrissenheit plastisch werdend. Das gelehrige
schwarze Kind
spricht inzwischen halbwegs schwedisch, denkt und fühlt und
träumt aber immer
noch afrikanisch. Und der Leser, der ursprünglich gespannt war, ob
der nicht
ganz ernstzunehmende Forscher ein noch nicht benanntes Insekt finden
werde,
wartet jetzt nur noch mit Spannung auf das Gelingen des großen
Plans eines
kleinen Jungen: die Heimkehr in die Wüste.
Die Parallele des mit einer
Nadel auf Papier gespießten und sorgsam katalogisierten Insekts
zu dem
gewaltsam in den schwedischen Schnee translozierten Wüstenbewohner
ist
treffend. Auch den Leser. Weil das eine sich als so unsinnig erweist
wie das
andere. Und das selbst bei dem Abstand von mehr als hundert Jahren.
Insofern
ist „Die rote Antilope“ – Originaltitel „Der Sohn des Windes“ – auch
ein
packender historischer Roman.
Ob die zu bemüht komische Schöpfung
des deutschen Titels sinnvoll war, mag dahingestellt bleiben.
Erwähnt werden
muß aber, daß Ungereimtheiten ins Buch gekommen oder in ihm
geblieben sind, die
ein aufmerksames Lektorat hätte ausmerzen müssen, entweder
schon in Stockholm
oder aber wenigstens in München. So stutzt man, wenn man liest,
daß der
Student, der sich auf die Insekten stürzen will, bei einem
Professor der
Botanik studiert (Seite 15). Und daß es dann am
achtundzwanzigsten Tag seiner
Wüstenwanderung zu einem Zwischenfall kam (Seite 50), obwohl er
schon mehr als
zwei Monate in der Kalahari unterwegs war (Seite 44), ist auch nur
schwer
nachzuvollziehen. Der Autor hat dem Ganzen noch einen Mord als
Rahmenhandlung
übergestülpt, in Form eines Kurzkrimis, was unnötig war
und wohl als
Berufskrankheit in Kauf genommen werden muß. Oder glaubte der
Autor, er sei es
seinem Image schuldig, einen Mord zu bringen?
Von diesen Macken abgesehen
ist das ein Buch, das von Anfang bis Ende erfreut. Durch das
raffinierte
Infragestellen unserer Lebensweise, durch das einfühlsame
Ausleuchten der
kindlichen Seele, auch durch das sublime Lächerlichmachen der
Institutionen
Kirche, Unternehmerschaft und König und nicht zuletzt durch die so
bildhafte
wie korrekte Sprache mit ihrer immer wieder aufscheinenden feinen
Ironie.
(Ralf Rothmann: Milch und
Kohle, Roman, Suhrkamp-TB, Frankfurt/Main 2002, 211 Seiten, € 10,-)
Irritation als
Gestaltungsprinzip. Das fängt damit an, daß der Autor schon
in der ersten Zeile
das heute so modische wie alberne Universalurteil bringt: Nicht
wirklich. Und
das setzt sich mit der Masche fort, jede Szene damit einzuleiten,
daß man die Einleitung
wegläßt, nicht einmal die Kürzestangabe zur Situation
bietet, wie sie im
Drehbuch stehen würde. Action an wechselnden Schauplätzen und
Dialoge
verschiedener Figuren im harten Schnitt gegeneinandergesetzt. Schon
nicht mehr
verwunderlich, daß Rahmenhandlung und Erinnertes sich nicht im
Tempus
unterscheiden. Auch nicht, daß die Icherzählung
zunächst den Charakter einer
Autobiographie annimmt, dann aber deutlich wird, der Titel bezieht sich
auf den
Vater des Erzählers, bis man am Ende weiß, es handelt sich
um das Porträt einer
Frau, nämlich der Mutter des Icherzählers. Dann bekommt man
noch einen Epilog
zu lesen, der nichts mit dem Erzählten zu tun hat und bei dem man
meinen
könnte, er sei entweder aus Versehen ins falsche Buch geraten oder
als
verzweifelter Versuch, einer zu kurz geratenen Erzählung doch noch
den für
einen Roman nötigen Umfang zu verpassen, - wenn es nicht einfach
nur um
Renommage geht. Natürlich ist die Absicht eine hehrere: Der nur am
Ende des
Buches kurz erwähnten Tatsache der Karriere des Icherzählers
in den USA soll
mit dieser Schilderung eines Besuchs in einem japanischen Kloster das
Sahnehäubchen des Zen-Buddhismus aufgesetzt werden.
Die Legende von einem Mann und einer Frau
(Robert
Harris: Pompeji, Roman, aus dem Englis